Pictoplasma - Post Digital Monsters
Pictoplasma - Post Digital Monsters © Motomichi
Festival

Pictoplasma - Post Digital Monsters

Du 7 au 31 décembre 2011

Les Créatures ont enfin leur festival !

Pictoplasma, les Créatures ont enfin leur festival à la Gaîté lyrique !

La Gaîté lyrique invite le festival berlinois Pictoplasma à explorer les diverse facettes de la scène internationale du character design et de l'art figuratif.
Pictoplasma sélectionne - à chaque édition du festival - des créations innovantes des studios à la pointe de la recherche et de réalisateurs indépendants qui se consacrent à la conception de créatures. Pour la première fois à Paris, Pictoplasma présente une exposition, des conférences, des concerts-performances et des projections.

 

pictoplasma, post digital monsters : une invitation inédite


« Post-Digital » en référence au fait que le character design et l'engouement pour l'art ont émergé avec la montée de la culture numérique au début des années 2000. Internet et les nouvelles technologies ont révolutionné les échanges d'images et leur ré-interprétation.


« Monsters » parce que l'ère digitale ouvre un nouveau territoire de réalité virtuelle qui a besoin d'être habité par des personnages attirants. Ces nouvelles icônes nous donnent la sensation étrange d'être regardé par des entités inconnues, venues d'univers parallèles. Les monstres sont en fait à la fois des êtres espiègles et mignons qui nous attirent, et des créatures troublantes et étrangères qui nous effraient.

http://paris-pictoplasma.com

Créatures déployées en bois, métal ou laine tricotée, galerie de portraits d'ancêtres imaginaires, installation vidéo explorant le mystère du Yéti... la créature digitale est explorée sous toutes ses formes. Dans une exposition surprenante, la Gaîté lyrique juxtapose la version numérique et l'œuvre physique des créatures pour jouer sur le passage du dessin à plat, à l'existence corporelle. L'exposition se présente en trois parties :

digital monsters
 

Les créatures de formes numériques sont présentées sous forme de portraits de famille, dépeignant des êtres inconnus sur papier glacé, objets stériles figés dans leur sphère artificielle.

post-digital monsters
 

Cette galerie de portraits explore distinctement les différents types de matériaux des créatures : bois, feutre, métal, peinture, gravure, dessin, argile, laine, vidéo...

les artistes pictoplasma
 

 

L’artiste américain AJ Fosik crée des reliefs et des sculptures sur pied à la fois complexes et élémentaires. Dans un processus minutieux, il façonne des centaines de copeaux de bois coupés, peints et vernis un par un, en hybrides mi-animal mi-chasseur accrochés ou posés comme des trophées empaillés. S’inspirant visuellement de l’art folklorique américain, il reconfigure des icônes culturelles et traditionnelles pour créer de nouveaux totems au symbolisme mixte. AJ Fosik interroge le familier et l’étrange, la relation entre l’art et le spectateur, la nature, la culture et l’histoire.

L’artiste californienne Allison Schulnik combine la peinture à l‘huile, la sculpture et la patanimation à la fois. Ses peintures par empâtement ont une qualité sculpturale qui se transpose dans ses films, tandis que ses céramiques figent les personnages.Allison Schulnik a connu la gloire en 2008 avec ses deux films en stop motion, 'Hobo Clown' (Le clown vagabond) et 'Forest'(Forêt), ce dernier comme vidéo musicale pour Grizzly Bear. Ses personnages ont tendance à être des figures solitaires, vivant en marge, d’où ils nous observent. Son dernier film ‘Mound’ (Monticule) prend un nouveau tournant en mettant en scène plus de 100 marionnettes sculptées à la main et cousues.

Benoit Créac'h et Julia Gaudard forment le duo franco-suisse Ben&Julia. Ces graphistes - réalisateurs multidisciplinaires ont commencé leur collaboration en 2006 et leurs films d’animation pittoresques aux couleurs vives combinent aquarelles et croquis, séquences en direct et marionnettes. Ils ont un faible certain pour la nature, les forêts et les champignons en particulier, qui servent tous d’éléments dans leurs mondes parallèles. Leur installation ‘3 Moments dans la vie de Kaluk‘ élabore la mythologie de Kaluk, un chien fait roi qui finit empoisonné par le chat qui est son gardien.

Dans leur projet FriendsWithYou, les artistes de Miami Sam Borkson et Arturo Sandoval III orientent leur œuvre comme uneentreprise spirituelle dans notre époque hyper capitaliste, se concentrant sur le charme d’un design géométrique et anthropomorphique. Depuis leurs premières poupées en peluche cousues main en 2002, FriendsWithYou a créé une longue liste de personnages iconiques, parmi lesquels le ‘Garçon’, un archétype qui a eu de multiples manifestations y compris avec des costumes et des jouets. C’est la première fois qu’ils travaillent le bronze.

L’artiste et musicien australien Jeremy Dower a travaillé comme designer dans l’industrie des jeux informatiques, se spécialisant dans le pixel art. Il est ensuite passé à un travail plus personnel en tant qu’artiste multimédia, et se concentre aujourd’hui principalement sur un procédé qu’il appelle peinture digitale, travaillant directement sous Photoshop. Ses personnages étrangement vides ressemblent à des êtres embryonnaires du futur, prêts à éclore. Il s’est récemment mis à les animer, expérimentant davantage la distorsion de leurs formes.

Jordan Metcalf est un typographe et designer d’Afrique du Sud prometteur. Il a participé à plusieurs expositions de groupe à Durban et au Cap, attirant récemment l’attention aux États-Unis pour son travail non commercial. Son approche plus intuitive que conceptuelle est davantage affaire de découverte plutôt que de donner du sens à son œuvre. Metcalf interprète ses dessins et ses peintures comme une tentative de saisir une humeur ou un sentiment, quelque part entre nostalgie et mélancolie, isolement et espoir.

Suivant un processus long et élaboré, l’artiste américain Joshua Ben Longo fabrique de douces sculptures à partir de matériaux tels que le feutre et le cachemire, fondant l’art et l’artisanat de la conception de personnages avec des idées de désir et de curiosité dans un environnement social inapproprié. Ses êtres monstrueux sont toujours dépourvus d’yeux afin de ne pas détourner l’attention du spectateur de leur dimension corporelle. Dents et anus sont les traits les plus distinctifs, à la fois fascinants et répugnants.

Juan Pablo Cambariere est un designer graphique argentin à l’éventail d’intérêts éclectique. Préoccupé par la corruption largement répandue dans son pays, son travail est une réflexion sur le pouvoir, la responsabilité et la manipulation. 'You Are Here' (Vous êtes ici) est une installation de marionnettes artisanales en bois, regroupées en systèmes hiérarchiques symbolisant de simples structures de dépendance. Elles constituent une investigation de la logique des marionnettes, des fondamentaux de l’animation et de la possibilité de créer des designs iconiques à travers le processus sculptural.

Née en 1972 et installée à Los Angeles, Megan Whitmarsh s’inspire, comme beaucoup d’autres artistes de sa génération, des sonorités visuelles de sa jeunesse. Elle utilise divers modes d’expression low tech tels que le dessin, la bande-dessinée, l'animation en stop-action, la broderie, la sculpture et s’attache à combiner vision optimiste de l’avenir et détritus de la vie moderne. Motif récurrent dans son œuvre : des monstres poilus, installés dans un espace vide croisant d’autres personnages...

Avec ses racines dans le graffiti, l’artiste allemande MYMO aime aller et venir entre diverses techniques. Ses peintures sont aussi des collages de matériaux divers et sont souvent finies avec un revêtement de laque qui met en valeur leur palette aux couleurs éclatantes. Son nom d’artiste est l’acronyme de My Monster World (Mon univers de monstres) et en effet, MYMO a commencé à se faire connaître en peignant des personnages poilus partout où elle allait, avant de les placer dans un environnement plus élaboré et d’y incorporer des formes et motifs géométriques. Les deux tableaux récents ont une qualité évanescente, évoquant de simples formes qui se dissolvent en apparitions fantomatiques.

L’artiste de Chicago Nick Cave est connu pour ses Soundsuits (Costumes sonores). Ces sculptures que l’on peut enfiler sont faites de matériaux récupérés tels que vêtements à perles ou sequins, bois, cheveux, plastique ou poupées, et conçues pour cliqueter et résonner de concert avec les mouvements de ceux qui les portent. Ce travail évoque les tenues cérémoniales africaines ou tribales de par le monde, du Ku Klux Klan, de créatures extra-terrestres et de déguisements de carnaval. À travers l’acte de les collectionner et de les configurer, Nick explore des concepts culturels, rituels et cérémoniaux, tandis que celui qui les porte est complètement dissimulé, permettant ainsi à l’œuvre de transcender la notion de classe sociale, d’appartenance ethnique et de genre. 'Drive-By' est une installation vidéo des Soundsuits en représentation.

Nick Sheehy est un artiste et illustrateur britannique né en Tasmanie. Il dépeint une large cohorte d’oiseaux, de serpents et d’autres personnages d’animaux, souvent drapés de costumes et défilant munis d’instruments de musique en formation de parade. Ces éléments composent la base de ses colonies et mondes diversement bizarres, qui se déploient en mythologies et narrations magiques. Sheehy décrit cela comme un anthropomorphisme mutant qui se donne libre cours, et aime appréhender ces images comme s’il s’agissait de scènes d’une représentation théâtrale improvisée.

L’artiste allemande Nina Braun a démarré sa propre entreprise de vêtements de skateboard dans les années 90, revendiquant son acceptation dans une culture dominée par les hommes. Une exposition de baskets tricotées main a propulsé son travail dans un contexte artistique. Ses plus récentes créations, créatures iconiques ressemblant à des vers, préservent un lien avec le monde de la mode grâce à leur séduisante allure haute-couture. Le tricot demeure son moyen d’expression favori, et elle joue de subtils jeux conceptuels dans son usage de la laine pour créer des sculptures sur pied et des tableaux en trois dimensions qui confrontent le spectateur avec une aura d’autonomie.

Overture est un studio créatif américano-japonais, fondé par Jason Malcolm Brown et Aya Yamasaki Brown au milieu des rochers embrumés d’Okutama, au Japon, en 2004. Explorant l’inconscient à travers le récit dans l’animation, l’illustration et la performance live, leurs vidéos, illustrations et dessins dépeignent des rêves et des mystères, des personnages hermaphrodites et androgynes qui recèlent quelque chose d’intemporel. ‘MoonHare’ (Le lièvre de la Lune) est une série de dix illustrations qui narre l’histoire de MoonHare, qui a perdu ses oreilles et gagné le pouvoir de la pleine Lune.

Rina Donnersmarck se partage entre Londres et sa maison d’enfance dans les Alpes bavaroises. C’est là que vous la trouverez créant un monde peuplé de géants courroucés (les mauvais jours), et de gentilles bêtes (les bons jours). Stylistiquement immédiates et spontanées, avec un sens aigu de l’absurde, ses illustrations empruntent une voie complexe entre bizarrerie, colère et beauté. Ses récentes séries de dessins représentent une famille de monstres métamorphosée.

Né en Pologne et fortement influencé par la culture de la bande-dessinée et des dessins animés d’Europe de l’Est, Roman Klonek a développé une passion vivace pour la gravure sur bois. Les formes sont taillées à partir de blocs de bois, repassées à l’encre, puis imprimées avant de repartir du début pour ajouter couche après couche de couleur. Il a créé un ensemble de personnages adorablement insolents et turbulents qui gambadent de-ci de-là dans des situations bizarres.

Illustratrice, directrice artistique et décoratrice allemande, Sarah Illenberger cultive une approche strictement pratique. Experte en métamorphoses, il n’est de matériau ou objet au monde dont elle ne tire un concept formel exquis, mêlant installation et design graphique, illustration et photographie. En un tour de main et avec beaucoup d’esprit, elle transforme des raquettes de tennis en toiles d’araignée, des cigarettes en champignons et des couverts en insectes. Pneus de voiture, enjoliveurs et autres pièces automobiles sont ré-assemblées et empilées en d’imposantes sculptures totémiques.

Steve Alexander est membre du Rinzen, le célèbre collectif australien de design graphique formé en 2000 et résultant de leur projet commun de mixage visuel et audio, RMX. Leur travail, créé individuellement et en groupe, couvre une large palette de styles et de techniques, présentant souvent des réalités utopiques alternatives, des stylismes géométriques voyants et des études complexes dessinées à la main. Issu du milieu de l’illustration vectorielle, Steve adore laisser de côté l’ordinateur et plonger les mains dans la peinture, le dessin et la sculpture sur bois. Personnages flottants et monstres sont un motif récurrent dans son œuvre.

 

the missing link
 

Vidéos, installation, totem, l'idée de « monstre » s'étend à toutes les créatures inconnues et les assemblent en une seule expérience digitale et physique, dans la petite salle de la Gaîté lyrique. Un mur entier est dédié aux participants de l'appel à projet The Missing Link, enquête ouverte sur le mystère visuel du légendaire Yéti, véritable monstre pré-digital entre la fiction et la science, dont la représentation est encore aujourd'hui ambigüe.

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